Étonnamment, il y a une chose - ou plutôt devrais-je dire "un mot" - sur laquelle je ne m'attendais pas à recevoir autant de push-back : ralentir.

Le mot a dérangé. Parfois des gens auxquels je ne m'attendais pas : des sophrologues, des artistes. J'ai essayé de reformuler, de mettre le terme de côté, de louvoyer.

Les personnes qui me connaissent savent cependant à quel point je suis tatillonne sur les mots. L'exactitude du terme, la bonne définition, l'étymologie : ça me passionne.

Et pourtant, confrontée dans un premier temps à l'idée que ce mot "ralentir" n'était pas le bon, je me suis sentie bloquée. Incomprise dans quelque chose qui me semblait pourtant limpide.

Mon objectif : créer un espace sécurisant et bienveillant qui autorise les artistes - particulièrement neuroatypiques et handi·es - à ralentir. Parce que notre société capitaliste bâtie sur le toujours plus t'épuise et étouffe ta créativité. C'est utiliser la puissance du collectif pour co-créer des espaces-temps adaptés à qui nous sommes, bâtir de nouveaux modèles dans la douceur et le respect de ses propres rythmes.
Parce que devoir produire plus et gérer toujours plus - réseaux sociaux, marketing, visibilité, faire des marchés, monter des dossiers d'expo, etc - en solo et à une cadence qui ne laisse pas le temps de respirer est une route toute tracée vers le burnout.

RALENTIR.

On me disait “ce n’est pas clair”. “Oui mais, concrètement", tu proposes quoi ?”

Alors j’ai essayé de reformuler. De contourner, de m’adapter.

Puis je suis partie organiser une expo en Bretagne, et j’ai fait un arrêt chez ma meilleure amie. (Aparté : faut que je vous raconte un jour notre histoire. Elle est fortement liée à pourquoi je fais ce métier)

Elle est artiste - comme par hasard. Elle est aussi - comme par hasard - neuroatypique et handie. Et en parlant de tout et de rien mais surtout de tout ce qui est important pour nous, on a parlé de théorie crip / mouvement crip (viens on en reparle bientôt), de ce que ça signifie être handi·e ou neuroatypique dans la société, dans la culture, en tant qu’artiste. D’épuisement, de besoins. Et je lui ai demandé :

“Mais ça te parle, à toi, si je te propose un espace où ralentir ?”

J’ai reçu son cri du cœur comme un nouvel élan pour m’envoler. Un grand oui, une évidence partagée. Un seul mot qui concentre les notions de prendre soin (de soi), d’anticapitalisme, de faire autrement, et de le faire collectivement.

Peut-être que c’est parce que depuis l’enfance on partage un seul cerveau. Mais je ne crois pas. Je pense plutôt que j’ai touché du doigt l’important : peut-être que le terme ne parle pas d’un point de vue marketing. Peut-être que vu de l’extérieur, “ralentir” c’est pas clair, c’est pas vendeur. Mais quand tu es concerné·e, ce mot est un cri de ralliement. Et c’est suffisant.

Je crois fort au pouvoir de l’intelligence collective. De faire société différemment. Et créer des espaces safe et bienveillants pour les gens qui en ont besoin, c’est permettre de créer cet autrement. Faire poids ensemble pour mieux impacter. Et le faire selon nos règles. Le Cocon - ce nouvel espace d’accompagnement pour les artistes hors normes (au sens littéral du terme) - c’est ma façon de contribuer, d’impulser l’élan et, je l’espère, le changement.

Je suis rentrée chez moi reboostée par ce mot.

RALENTIR.

J’ai laissé mijoter. Bouillir, presque, au regard des températures extérieures. Mon syndrome inflammatoire en ébullition. Mais j’applique aussi cette politique à moi-même. Je me laisse le temps. Puis j’ai reçu une notification. “Votre colis vous attend au point relais.” J’avais oublié.

J’ai une passion : contribuer - même un peu - aux campagnes de financement participatif d’artistes. Pas seulement celleux que je connais. Juste soutenir là et quand je peux. Ici-même sur Substack, je m’étais abonnée quelques mois plus tôt à , une artiste qui parlait de douceur. Elle a mentionné sa campagne Ulule pour un manifeste intitulé “Je te rends le mot artiste”. Un titre qui résonnait pour moi, j’avais déjà écrit ailleurs Comment ça, t’es pas une·e vrai·e artiste ? (reposté récemment ici)

J’ai participé à la campagne sur la simple base de ce titre. Puis j’ai oublié (cerveau fibro bonjour). C’est ce livre qui était arrivé.

Et ce mot était encore là en couverture : “Manifeste pour ralentir, créer et résister”

RALENTIR.

Et mon coeur s’est mis à chanter. Ralentir, c’est un mouvement. Dans tous les sens du terme. Et c’est encore plus nécessaire quand on est en dehors des normes sociales. Quand on est handi·e, neuroatypique, anxieux·se, malade chronique.

Alors j’ai jeté aux orties les reformulations, les louvoiements. Quand le monde brûle, ralentir devient un impératif. Je parle aux artistes, mais c’est valable pour tout le Vivant.

Si ça te parle, écris-moi. J’ai envie de te lire.

« Non mais moi, je suis pas un·e vrai·e artiste »

Généralement une confession, la silhouette ratatinée, qui suit la demande “montre-moi ce que tu fais”. Comme si tu t’excusais presque de partager, comme si tu doutais de ta place dans ce monde aux codes qu’on ne maîtrise pas vraiment, quand tu rêves d’exposer mais que tu as tellement peur qu’on te dise NON que tu l’anticipes toi-même. Il est même juste là, au début de ta phrase :

« Non mais moi, je suis pas un·e vrai·e artiste »

On pense que pour être “vraiment artiste”, il faudrait avoir un CV long comme le bras, une technique irréprochable, ou avoir été adoubé·e par une institution.
Quelque chose nous souffle à l’oreille que l’art, le vrai, c’est pour les autres, ceux qui savent, qui osent, qui ont “réussi”. Ou les médiatisés, les grandiloquents, les conceptuels dans lesquels tu ne te reconnais pas.

Toi, tu crées.
Tu cherches, tu explores, tu doutes, tu recommences.
Tu exposes parfois, tu partages un peu, mais toujours avec cette petite voix qui demande :
« Est-ce que ça compte vraiment ? Est-ce que je suis légitime ? »

Peut-être que tu te dis :

• « Je n’ai pas fait d’école d’art, alors… »

• « Mon style ne rentre pas dans les cases. »

• « Je ne sais pas parler de mon travail, je ne maîtrise pas le jargon. »

• « Je ne vends pas assez, donc je ne suis pas un·e “vrai·e” artiste. »

Toutes ces croyances qui poussent en toi, jusqu’à venir parasiter ta créativité. Celles qui prennent racine dans la comparaison, dans la peur du regard des autres, dans l’idée qu’il faudrait être “pro” pour être reconnu·e.
​

🌷 Et si tu redéfinissais ce qu’être artiste veut dire pour toi ?

Et si être artiste, c’était simplement :

• Oser créer, même sans public.

• Partager, même sans certitude.

• Se chercher, se réinventer, se tromper, recommencer.

• S’autoriser à faire les choses à sa manière, sans se trahir.

Parce qu’artiste, ce n’est pas un gros mot. Parce que la “réussite” est une échelle différente pour tout le monde. Parce que si tu apprends à partir de toi plutôt que du regard que tu penses que les autres posent sur toi, alors tu t’autoriseras à briller.

Personne n’a le droit de te dire si tu es légitime ou non. Puis les mots ont un pouvoir, une force. Poser un regard aussi doux que possible sur toi-même, c’est déjà faire un pas vers incarner qui tu veux être.

🌿 Et si tu ne te reconnais pas dans le mot “artiste”…

…c’est OK aussi.
Tu as le droit d’inventer ta propre terminologie : créateur·ice, explorateur·ice, artisan·e du sensible, ou tout autre mot qui te ressemble.
L’essentiel, c’est que cette définition soit fidèle à qui tu es et suffisamment claire pour que ton audience comprenne ton univers et ce que tu proposes.
​

Prends un moment pour te demander :
Qu’est-ce qui, dans ta pratique, te fait sentir vivant·e ?
Qu’est-ce qui te donne envie de continuer, même quand le doute s’invite ?
Et si tu laissais tomber, juste pour aujourd’hui, l’idée d’être “comme il faut” pour t’autoriser à être… toi ?

Tu n’as rien à prouver.

Ton art mérite d’exister, simplement parce qu’il est le tien. Le tout à ton rythme, toujours.

Avec douceur et confiance,

Sandrine

En moins d’un an, j’avais démissionné de mon CDI à Lyon, fait un burn-out, et reconstruit ma vie à Clermont-Ferrand. Volcanic’Arts - L’Agence en était ce symbole, la mise en branle d’un système différent, pensé pour soutenir les artistes, les accompagner au mieux, les guider avec toute la dévotion dont je pouvais faire preuve.

Les débuts dynamiques et explosifs

Avec le recul, je peux affirmer que ma vision reste la même aujourd’hui : créer un système qui facilite la vie des artistes, qui leur permet de créer sereinement, un système où l’art est abordable sans en retirer sa valeur. Je voulais remettre de l’humain au coeur de tout ça, rouvrir le champ des possibles. Je voulais casser les codes, et j’ai appelé mon entreprise “Volcanic’Arts” non seulement en hommage aux volcans qui m’entourent, mais aussi pour évoquer ce dynamisme, cet élan explosif qui me portait. La flamme était désormais allumée.

Trois ans plus tard, c’est presque par hasard que les portes de Volcanic’Arts - La Galerie, s’ouvraient à quelques jours de cette date anniversaire, le 30 mars 2019. Un pas de plus vers ma vision : j’avais désormais un espace où j’étais maîtresse de donner de la visibilité aux artistes, m’appuyer sur cette notion de légitimité souvent dévoyée. Un pont, une passerelle entre les artistes qui pouvaient bénéficier de mes conseils et le public qui pouvait enfin vivre avec moi ma passion de l’art, aller à la découverte d’artistes nouvelleaux, différent·es, et à des prix abordables. Un nouveau slogan : l’Art pour Toustes.

Un chemin d’amour et de soin

Dix ans… J’ai du mal à y croire tellement c’est passé vite, et pourtant, il s’est passé tant de choses. Fin 2024, j’ai fermé les portes de la Galerie. J’étais à la recherche d’autre chose, mais je ne savais pas quoi. Ce que je savais, c ‘est que ma vision n’était pas encore accomplie. Je voulais plus, encore plus, toujours plus. Je voulais que les artistes ressentent pour elleux-mêmes la façon dont moi je me sentais envers leurs œuvres. Je voulais leur offrir ce chemin, cet espace, qui allait bien au delà de la Galerie. J’ai entrepris de me former en tant qu’accompagnante avec Vanessa Fourcaudot - La Voix de Gaïa, dont je ne peux que louer la bienveillance. J’y ai appris cette notion de Vivant, si évidente mais que je n’avais jamais perçue. Toute ma vision pour Volcanic’Arts partait de là : du Vivant.

J’ai appris que guider, ce n’est pas imposer. C’est créer un espace sûr, safe, bienveillant. C’est écouter, beaucoup. C’est croire en vous pour vous autoriser à croire en vous-mêmes. Tout ce que je faisais inconsciemment, conscientisé.

La transformation : vers le Cocon

J’ai choisi pour moi ce terme de '“guide-nounou” ou “guide-nourricière”, qui me semble plus approprié que “coach”, “mentore” ou tout autre terme. Je vois votre créativité comme un chemin, et je suis à vos côtés pour vous tenir la main. Je visualise la route, je suis là pour vous accompagner sur ce chemin, et pour nourrir. Nourrir votre confiance, votre inspiration.

Fermer la Galerie n’était pas un échec - c’était une évolution. L’opportunité pour moi de creuser plus en profondeur encore. Aujourd’hui encore, je rajoute de la clarté dans ma vision : je veux prendre soin. Créer un Cocon dans lequel vous pouvez vous déposer, vous reposer et, je l’espère, qu’on grandisse ensemble. J’ai une foi inébranlable dans la puissance de la communauté. Celle qui vous honore, vous soutient, vous permet de briller.

Il m’aura fallu 10 ans pour rassembler tous ces morceaux de moi pour en faire un tout, et je n’ai qu’un mot : la gratitude.

Gratitude et dévotion

Je n’ai pas été seule pendant ces 10 ans, bien au contraire.

Alors je veux dire merci. Merci à celleux qui sont là depuis le début - votre fidélité me permet de rester ancrée. Merci à celleux qui arrivent maintenant, qui découvrent - votre curiosité m’honore. Merci à celleux qui me font confiance, qui acceptent de tester avec moi, qui s’ouvrent à cette nouvelle proposition : rien n’existe sans vous.

Merci aussi à celleux qui m’ont guidée, qui m’ont enseignée, qui parfois ont su me reprendre quand je m’égarais : l’apprentissage n’est jamais fini mais vous avez déjà fortement contribué à qui je suis aujourd’hui.

En français, le terme de dévotion renvoie à un sentiment religieux. Le dévouement, lui, renvoie à une notion de sacrifice, d’oubli de soi. En anglais, on retrouve le même mot : devotion (oui, dedication existe aussi mais chut), que le Cambridge Dictionary définit ainsi : “loyalty and love or care for someone or something” - la loyauté et l’amour ou le soin (avec une notion de protection ou d’attention) pour quelqu’un ou quelque chose. C’est Vanessa, là encore, qui m’a apporté ce mot. Aujourd’hui, il est ce que je veux incarner.

Il y a 10 ans, jamais je n’aurais pu imaginer ce chemin. Volcanic’Arts continue. Grandit. Je grandis avec mon entreprise et à bientôt 40 ans, je me sens à ma place dans cette dévotion.

Rendez-vous dans 10 ans pour le prochain bilan ?

Avec amour,

Sandrine

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Temps de lecture : 7min

Aujourd'hui, j'avais envie de parler dichotomie.

Selon la définition première du Larousse (old school baybay) : "Division de quelque chose en deux éléments que l'on oppose nettement : Dichotomie entre la raison et la passion."

Je suis une créature de dichotomie. De cloisonnement, de séparation. Dans ma vie professionnelle, j'ai toujours opposé mon métier de support artistique à mon métier de support administratif.

Dans ma vie personnelle, j'oppose mon amour des arts plastiques à mon amour de l'écriture. C'est différent, parce que c'est pas pareil.

Le problème, c'est que quand on est un être fragmenté (et pas comme une boule à facettes), on s'épuise : tu as toujours l'impression de ne pas vivre à 100% ce que tu fais, de passer à côté de quelque chose, tu es toujours tiraillé·e.

J'ai mis longtemps à réaliser que, par exemple, mon métier est simplement d'être un booster : de mettre mon énergie et mes compétences aux services de personnes qui ont besoin d'être propulsées. Peu importe que ça soit en art ou en entrepreneuriat.

Les seules limites sont celles de l'imagination.

La dichotomie en art : Eros et Thanatos

Bien sûr, je ne pouvais pas ne pas évoquer le sujet. Pulsion de vie et pulsion de mort sont des opposées classiques de l'histoire de l'art. D'ailleurs, la toute première exposition que j'ai organisée en tant que professionnelle s'appelait "Érotismes et Vanités".

Vanité : en art, la vanité est le nom donné à la représentation allégorique (et picturale) de la mortalité de l'humain, la fragilité de sa vie. Tu y trouveras des éléments récurrents comme un crâne, un sablier ou une montre (pour symboliser le temps qui passe), des fleurs ou des fruits à la façon d'une nature morte (éléments de beauté mis en opposition avec la mortalité). C'était un genre très populaire au XVIIème siècle. Par extension, on a tendance aujourd'hui à appeler "vanité" toute œuvre présentant un crâne.

En latin, l'expression "memento mori" ("souviens-toi que tu meurs") reflète une idée très similaire.

Cela donne Eros, le dieu de l'Amour, invitation à profiter, "jouir" de la vie, à l'épicurisme, qu'on oppose à Thanatos, dieu de la mort, invitation à se rappeler de sa mortalité ("memento mori"), qui peut être vue comme, dans l'interprétation freudienne, une pulsion destructrice, ou si on se réfère plutôt aux interprétations issues du stoïcisme et de la philosophie greco-romaine, vivre en ayant conscience du caractère impermanent de la vie, rester humble dans sa façon de vivre et se concentrer sur réaliser ses ambitions plutôt que "batifoler".

Dans la littérature

Il existe en littérature des classiques qui explorent, consciemment ou non, cette particulière dichotomie :

- Romeo & Juliette, de Shakespeare

- Mémoires d'Hadrien, de Marguerite Yourcenar

- Le Rouge et le Noir, Stendhal

- Orgueil et Préjugés, de Jane Austen, (ça c'est mon analyse : Wickham représentant Eros, la pulsion de vie, la légèreté, l'amusement, et Darcy Thanatos, l'austérité, l'ennui... dans la vision initiale biaisée d'Elisabeth)

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D'autres types de dichotomie :

Rêve / réalité : Rêver, Franck Thilliez

Laid / beau : Mercure, Amélie Nothomb1

Révolte / résignation : L'écume des jours, Boris Vian2

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Réconcilier ses dichotomies

L'être est un tout infini. Dans l'excellent film "Hedwig and the angry inch", de John Cameron Mitchell, la chanson "The Origin of Love" parle d'un temps ancien où les humains étaient des créatures composées de deux moitiés :

- celles composées de deux moitiés "mâles" venaient du Soleil

- celles composées de deux moitiés "femelles" venaient de la Terre

- celles composées d'une moitié "mâle" et une moitié "femelle" venaient de la Lune

Par jalousie, les dieux les ont divisés, et l'humain.e erre désormais à la recherche permanente de sa "deuxième moitié" pour redevenir un "tout", et c'est cette quête qu'on appelle l'amour3.

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​The Origin of Love

Cette idée est explorée de façon tragique dans le film (si tu ne connais pas, ça parle de rock, de queerness - genderqueer, transidentité, non-binarité - mais aussi de souffrance émotionnelle, mentale, et de dysmorphie).

Mais si je dois en retenir une chose, c'est que réconcilier ses dichotomies, c'est aussi embrasser son entièreté tout en acceptant d'être un "champ des possibles" en perpétuelle évolution. Une perspective que, pour ma part, je trouve réconfortante.

Faisons court :

• La dichotomie, c'est la division d'une chose en deux opposés

• Une dichotomie célèbre, c'est le concept d'Eros et Thanatos, pulsion de vie VS pulsion de mort (notamment exploré par Freud mais on est pas forcément d'accord avec son analyse)

• Dans l'art, ça se traduit par les vanités qui opposent des symboles de la permanence de la beauté ou de la gloire à des symboles de la mortalité humaine (comme le "Memento mori")

• Dans la littérature, on trouve plein de concepts de dichotomie

• Je te conseille de voir "Hedwig and the Angry Inch" parce qu'on aime faire des reco ciné aussi

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